Como uma fiel apaixonada pelo cinema oriental e pelas artes plásticas, não poderia deixar passar em branco suas associações doces e perfeitas. Escolhi Akira e Kitano que nos narram fragmentos poéticos através de quadros belíssimos.

(frame: Van Gogh)

Akira Kurosawa na sua obra The Dreams permiti-nos passear pelo universo do amarelo ouro de Van Gogh. Levando o tempo real fílmico para o universo onírico dos quadros (tem tudo a ver já que o filme chama “Sonhos”), nós enquanto espectadores “conquistamos” e caminhamos pelos contrastes das calmas e das revoltosas paisagens, e encontramos até o próprio Van Gogh enlouquecido a pintar. É através da imaginação de um visitante a um museu que toda essa constituição magnífica se torna possível, e nesse momento nos tornamos sonhadores também.

Abaixo a cena completa dos quadros.

O curioso é o filme Cidade de Deus, que saiu em 4º lugar, habitar acima de Fale com Ela que ficou em 5º. Nada contra Cidade de Deus, gosto muito desse filme, mas é um desatino colocá-lo acima de uma das obras mais sensíveis e tocantes do cinema – e particularmente a minha favorita do Almodóvar. Podem me contrargumentar dizendo que, além de ser uma obra brasileira, Cidade de Deus é um retratro nacional de algo que realmente aconteceu, e que diferente de todas as coisas feitas até hoje no Brasil, é um dos poucos filmes que não são de entretenimento e fazem sucesso. Mas nada vai me tirar da cabeça o quanto a trama de Fale com Ela me inquieta – ainda mais por se tratar de uma ficção. Pode soar extremamente particular – até porque Almodóvar é uma viagem pra poucos passageiros – mas Fale com Ela sem dúvida alguma, independente de todos os ridículos retratos psicanalíticos que fazem sobre ele, é um filme que subverte toda a estrutura humana que posiciona a mulher. Fale com Ela nada mais é que um deslocamento do sujeito humano, e isso não é apenas nacional como Cidade de Deus, mas universal.

Bom, é dificilimo analisar dois filmes completamente distintos, e pra que essa tarefa se torne mais fácil a gente costuma jogar para o lado pessoal. E reafirmo, Fale com Ela toca fundo em mim.
Entretanto, para completar o desatino da Paste, Tigre e o Dragão e Labirinto do Fauno foram nomeados para 2º e 1º lugar, respectivamente. Gente, convenhamos que Labirinto do Fauno só é extraordinário para crianças, e Tigre e o Dragão só impressiona minha avózinha.
Daí pode-se concluir o nível de entendimento e envolvimento cinematográfico da tal revistinha. Qualquer revista de Cinema que se preze – ou qualquer outra revista que queira ser levada a sério – não analisaria filmes julgando-os pelos milhões gastos em sua produção ou pelo número de público gerado.

Fonte da balela: http://band.com.br/conteudo.asp?ID=149997

Hana-Bi e Dolls:

Kitano em Hana-Bi, contrasta a vida de um cara durão, interpretado por ele mesmo, com as pequenas doçuras e sutilezas da vida, como ouvir o som do mar e passear com sua mulher muda na praia. Aqui as Artes Plásticas são usadas para mostrar passagens de tempo e estado de espírito, e foram pintadas pelo próprio Kitano e posicionadas em pontos e tempos estratégicos do cenário e do filme. Suas telas representam seu ponto de vista sobre determinadas “cenas” de sua vida no passado. Nesse caso podemos comparar a função da tela como a de um flash back.

Como Sergei Eisenstein diz em seu livro O Sentido do Filme, as linhas, traços e cores estão sempre em diálogo com “algo”:

“Quando falamos de “tonalidade interior” e “harmonia interna de linha, forma e cor”, temos em mente uma harmonia com algo, uma correspondência com algo. A tonalidade interna deve contribuir para o significado de um sentimento interno. Por mais vago que seja este sentimento ele avança sempre em direção a algo concreto, encontra sua expressão externa em cores, linhas e formas.” Eisenstein. 1947, p. 77.

Quando Eisenstein discorre sobre isso ele faz referência direta a Kandinsky, um artista plástico francês com amplo estudo teórico e plástico sobre as cores. De fato esta “tonalidade interior” faz sim referência a “algo”, e isso em Hana-Bi se faz presente na utilização de quadros como foco dramático. Mas em Dolls, por sua vez, a cor é praticamente tudo e não só o “algo”, e o avanço em direção a este “algo concreto” tem sua conclusão ao fim. Durante todo filme Dolls existe um avanço de sentido e dramaticidade em busca da plenitude do sentido e da plástica.

Dolls é difícil de exprimir, pois qualquer afirmação pode parecer cabível, mas em segunda análise pode se desfazer como pó nas mãos. Este é um risco que corremos ao tentar analisar um filme denso como este, extremamente conceitual, cheio de alegorias, significação, representação e referência teatral e plástica. Talvez por esse viés possamos ser mais bem sucedidos.

O filme começa com uma situação típica no Japão clássico, o teatro de bonecos Bunraku. Nestas cenas os personagens que coordenam o Bunraku dão vida para cada uma das partes dos bonecos, os pés, as mãos e a voz, e cada um, juntos como em uma dança, executa sua função. Podemos considerar essa dança como uma alegoria do filme por completo, pois ao final o casal protagonista se transforma nos bonecos, executando os mesmo movimentos e vestindo a mesma roupa.

O que mais nos toma e nos briga a falar da influência da pintura neste filme são os enquadramentos que se mantêm passivos, como meros quadros, apenas dando vazão a algo mais profundo. Em diversas vezes estes enquadramentos são mudos, acompanhados apenas pela minimalista música. O olhar dos personagens é imutável, se mantendo o mesmo por todo o filme. Vejo os personagens e os pontuo como “quadros ambulantes”, personagens estáticos assim como a pintura.

Uma questão que nos intriga é a utilização das cores, em especial do vermelho e amarelo, que explode todos os cantos da tela, principalmente na estação do Outono, que é seu ápice. É sabido que Vincent Van Gogh sofreu influência direta das artes japonesas, e isso pode ser observado em sua obra, onde o vermelho, quando presente, não se mistura a mais nenhuma cor, se mantendo único e soberano e o amarelo é a cor base de todos os seus quadros. E Eisenstein, dando voz a Van Gogh, escreve em seu livro: “… em vez de tentar reproduzir exatamente o que tenho diante dos meus olhos, uso a cor arbitrariamente, de modo a expressar a mim mesmo arbitrariamente.” (EISENSTEIN, 1947, p. 86). Contudo, percebe-se um tom onírico na afirmação de Van Gogh, e isso se confirma em seus quadros. Esse tom onírico também se transporta para a utilização dos elementos da Direção de Arte e Fotografia nos filmes de Takeshi Kitano.

Dessa forma podemos perceber um diálogo direto do cinema com as artes plásticas, e do ocidente com o oriente, visto que Van Gogh foi um dos propulsores impressionistas, bebendo diretamente da fonte oriental.

Outro diálogo que podemos estabelecer de Dolls com a arte é a utilização da Fotografia e Arte onírica, e dessa forma podemos suscitar conceitos surrealistas para tal afirmativa. Sendo assim, a fim de embasar essa questão buscamos novamente em Eisenstein através do seu livro O Sentido do Filme. Em determinado momento, ainda relacionado ao trabalho de Kandinsky, ele diz: “O método usado aqui é claro – abstrair ‘tonalidades internas’ de qualquer matéria ‘externa’.” (EISENSTEIN, 1947, p. 79).

Trazendo isso para nosso trabalho, faz parecer que Eisenstein escreveu esta frase para o próprio Dolls. E acho que ela resume toda a densidade intrínseca dessa obra, que assim como o surrealismo abstrai o sentido interno das interpretações que estão por fora. Sabemos que esta afirmativa nos dá uma rasteira – como se mesmo escrevendo ad infinitum não pudéssemos apreender a extensão de tudo em palavras – mas não poderíamos deixar passar despercebida, pois mesmo sendo derrubados conseguimos levantar o sentido e chegar à cerne da questão dos filmes de Takeshi Kitano.